El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) es una asociación independiente de profesionales dedicados al arte actual que, más allá de los intereses gremiales particulares, pretende beneficiar al conjunto de la comunidad artística.
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Leer más22 noviembre de 2021
El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) ha presentado hoy en CaixaForum Madrid el informe El mercado español del arte en 2021, que llega a su cuarta edición por encargo de la Fundación “la Caixa”. La presentación ha contado con la participación de las autoras Marta Pérez Ibáñez, presidenta del Instituto de Arte Contemporáneo; e Isabel Niño Alfonso y Beatriz Niño Alfonso, directoras de Nial Art Boutique Law Firm. El acto ha sido presentado por Nimfa Bisbe, jefa de las colecciones de arte de la Fundación ”la Caixa”.
Leer másMadrid, 16 de noviembre de 2021.- El Auditorio de la sala Alcalá 31 ha acogido la presentación, por parte del Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) y Ramón y Cajal Abogados, del Informe Madrid Contemporánea III: Revisión del sector de las Artes Visuales en la Comunidad de Madrid y análisis de las ayudas al arte contemporáneo.
En el acto han intervenido Marta Pérez Ibáñez, presidenta del IAC; Lucía Mendoza, presidenta de la Delegación Territorial del IAC en Madrid; y Patricia Fernández Lorenzo, del bufete de abogados Ramón y Cajal, que ha colaborado en la elaboración de este informe.
De izquierda a derecha: Lucía Mendoza, Marta Pérez Ibáñez y Patricia Fernández Lorenzo en la presentación de Madrid Contemporánea III
El Instituto de Arte Contemporáneo (IAC) es una asociación independiente de profesionales dedicados al arte actual que, más allá de los intereses gremiales particulares, pretende beneficiar al conjunto de la comunidad artística.
El IAC desarrolla iniciativas con el fin de favorecer la mejora y el perfeccionamiento de nuestra red institucional dedicada al arte contemporáneo, para velar por la progresiva implantación de buenas prácticas e impulsar una nueva percepción social del arte español actual.
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Luis Caruncho
Junto a mis compañeros Tomás García Asensión, Santiago Navarro, David Escalona y Miguel Cereceda.
Interfaz + videoperformance. 2016. Una cooproducción con Alberto Valverde
instalación I, 2019, alambre galvanizado/textil y madera de ciprés, 25x72x56cm.
instalación II, 2019, textil de 27cm. de diámetro, esmalte sintético/madera de ciprés,10x68x55cm.
El mundo de un escultor es obsesivo, busca eternamente formas en la materia, es su sino. Es como mirar al cielo en busca de estrellas, es como mirar nubes; es soñar despierto.
Cuando una forma penetra en la mente de un escultor, pugna incansablemente por salir a la luz. Cuando un material es observado por los ojos de un artista, cobra una forma determinada, éste ve automáticamente el ser que lleva dentro; sólo le queda sacarlo de su encierro.
MA presenta una colectiva de diecisiete artistas que trabajan maravillados en busca de esa forma que han visto en este material.
No podemos, en una primera exposición de escultura contemporánea, pretender mostrar la infinidad de recursos con que el artista se vale para llegar a su cometido; necesitamos un punto de partida y ese ha sido, llevados por la emoción, el primero.
Sí, hablo de emoción; porque sin emoción no podemos seleccionar a unos artistas sí y a otros no. Mi recorrido visual sobre las piezas que se exponen ha acariciado cada una de ellas y me han tocado el alma, así de simple.
La técnica es algo que viene después, la observación de la calidad de cada obra me ha dado la respuesta definitiva. Nos encontramos pues con una exposición sin hilo conductor temático; podríamos decir que se trata de pulsaciones. Precisamente lo que se ha buscado es una parte de esta multidisciplinariedad con que se vale el artista actual; es como si a una orquesta se le suman nuevos instrumentos.
Nuevos instrumentos y nuevos materiales; propuestas que incluyen la joyería de autor, tratada como verdadera obra artística portable.
Lo que es llamado concepto, aquí aflora sin necesidad de explicación. Podríamos buscar uno, pero la verdad, mentiríamos. La belleza de estas piezas se encuentra en lo que al espectador le entra directamente por la retina, esta “forma” se convertirá, según la percepción y cultura de cada uno en una forma que le hablará de otros mundos, esos mundos imaginarios que siempre habitan las mentes de los artistas.
Únicamente les queda pues, disfrutar de la palpitación de cada una de estas “formas” que han surgido de algunos “materiales”. Por supuesto que habrá más.
Marisa Aldeguer Mayo 2018
En la Galeria Antoni Pinyol conocimos a Mireia Cifuentes a raíz de su paso por el 24 PremiTelax, del cual consiguió un accesito gracias a sus pinturas, que se alzan con tal fuerza que nos remiten a las figuras votivas de las Venus en la antigüedad; éstas son símbolo no sólo de lo femenino sino de todo lo que tiene que ver con la vida, su nacimiento y su muerte, son mucho más que mujeres desprovistas de rostro, son personificaciones del mismo ciclo vital.
Uno de los signos más antiguos de nuestra especie se combina en la obra de Cifuentes con una técnica innovadora con la que consigue diluir la figura humana de tal manera que ésta entra en nuestra mente, no cómo una masa sólida y estática, sino que fluye, tal que un río que se expande hacia nuevos significados, abriéndonos las puertas a la percepción y compartiendo con nosotros las diferentes realidades de la existencia, simbolizadas por la parte frontal de la obra y su reverso oculto.
En lo que a sus paisajes se refiere, éstos no dejan de ser otra manera de acercarse a las preguntas sobre el paso del tiempo y, tal y cómo hacía con la figura humana, dota de movimiento a éstas visiones aparentemente estáticas y desérticas, son tierras muertas y estériles por las que nuestra mente viaja y trata de responder las preguntas vitales que sutilmente nos sugieren.
La obra de Mieria Cifuentes cumple con dos dualidades que la hacen sobresalir, pues ésta es universal a la vez que personal y atemporal a la vez que innovadora, pues consigue transmitirnos con un lenguaje contemporáneo un mensaje que afecta a toda la humanidad desde sus inicios, pero desde un punto de vista propio, basado en la experiencia íntima de la artista.
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“Con toda la charla sobre cómo estimularla, pensarías que la economía es un clítoris gigante”. Barbara Ehrenreich.
La presente exposición CLITORIA que presento en Espacio Apaindu, conecta con obras anteriores en las que también objetualizo los órganos del cuerpo para convertirlos en contenedores políticos. Sería una especie de “historia política de los órganos”. El cuerpo (subjetivo) es leído o considerado como una construcción simbólica/semiótica y cultural.
Para el proyecto CLITORIA he coleccionado y utilizado fotografías de monedas de países del mundo donde se practica la mutilación genital femenina.
Es la teórica feminista Gayatri Spivak quien ha tomado en consideración la mutilación genital femenina como una práctica cultural global. Me interesa un discurso y pensamiento del cuerpo femenino como un lugar transnacional, donde se da la relación entre peligro o daño y placer.
El clítoris es el signo del exceso en la mujer, una economía “clitoriana” frente a la economía dominante del útero. Una economía del placer por fuera de la economía de la maternidad en el patriarcado. El clítoris es un lugar para el puro placer y su eliminación no compromete la función reproductiva. La ablación, borradura del clítoris, del placer sexual, sería una metonimia del estatus social y sexual de las mujeres.
El mundo de un escultor es obsesivo, busca eternamente formas en la materia, es su sino. Es como mirar al cielo en busca de estrellas, es como mirar nubes; es soñar despierto.
Cuando una forma penetra en la mente de un escultor, pugna incansablemente por salir a la luz. Cuando un material es observado por los ojos de un artista, cobra una forma determinada, éste ve automáticamente el ser que lleva dentro; sólo le queda sacarlo de su encierro.
MA presenta una colectiva de diecisiete artistas que trabajan maravillados en busca de esa forma que han visto en este material.
No podemos, en una primera exposición de escultura contemporánea, pretender mostrar la infinidad de recursos con que el artista se vale para llegar a su cometido; necesitamos un punto de partida y ese ha sido, llevados por la emoción, el primero.
Sí, hablo de emoción; porque sin emoción no podemos seleccionar a unos artistas sí y a otros no. Mi recorrido visual sobre las piezas que se exponen ha acariciado cada una de ellas y me han tocado el alma, así de simple.
La técnica es algo que viene después, la observación de la calidad de cada obra me ha dado la respuesta definitiva. Nos encontramos pues con una exposición sin hilo conductor temático; podríamos decir que se trata de pulsaciones. Precisamente lo que se ha buscado es una parte de esta multidisciplinariedad con que se vale el artista actual; es como si a una orquesta se le suman nuevos instrumentos.
Nuevos instrumentos y nuevos materiales; propuestas que incluyen la joyería de autor, tratada como verdadera obra artística portable.
Lo que es llamado concepto, aquí aflora sin necesidad de explicación. Podríamos buscar uno, pero la verdad, mentiríamos. La belleza de estas piezas se encuentra en lo que al espectador le entra directamente por la retina, esta “forma” se convertirá, según la percepción y cultura de cada uno en una forma que le hablará de otros mundos, esos mundos imaginarios que siempre habitan las mentes de los artistas.
Únicamente les queda pues, disfrutar de la palpitación de cada una de estas “formas” que han surgido de algunos “materiales”. Por supuesto que habrá más.
Marisa Aldeguer Mayo 2018
Papel japonés, tinta china negra y pigmento sobre tabla. 100x80x17 cm
Serie UNFINISHED LANDSCAPE
Sueños, razón y monstruos
Performance
La Muga Caula, 12a trobada internacional de poesia d'acció i performance |
Les Escaules (Alt Empordà), Gerona | 2016
Foto: Patrick Morarescu
Esta página web se ha realizado con la colaboración de la Secretaría de Cultura del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte